RENASCIMENTO
O movimento artístico que chamamos “Renascimento” nasceu na Itália, em Florença, nas primeiras décadas do século XV. Nos finais de 1400, tinha-se espalhado por toda a Itália. Na primeira metade do século seguinte, quando Roma se sobrepunha a Florença como principal centro artístico, tinha alcançado os resultados mais clássicos.
Nessa mesma época, começou a difundir-se pelo resto da Europa, iniciando
uma completa revolução artística, cujos efeitos perdurariam, com constantes
acontecimentos, durante séculos, até quase o limiar da nossa época.
Este movimento, embora bastante complexo e variado internamente,
estabeleceu princípios, métodos e, sobretudo, formas originais e típicas, mas
comuns.
Tais formas provem de duas principais fontes: a reutilização, após um
intervalo de quase um milênio, das formas características da arte clássica –
arte grega e arte romana. E a aplicação de uma nova descoberta técnica: a
perspectiva, conjunto de regras matemáticas e de desenho que permitem
reproduzir sobre uma folha de papel ou sobre qualquer superfície plana, o
aspecto real dos objetos.
Além de reviver a antiga cultura greco-romana, ocorreram nesse período
muitos progressos e incontáveis realizações no campo das artes, da literatura e
das ciências, que superaram a herança clássica. O ideal do humanismo foi, sem
dúvida, o motel desse progresso e tornou-se o próprio espírito do Renascimento.
Trata-se de uma volta deliberada, que propunha a ressurreição consciente (do
renascimento) do passado, considerado agora como fonte de inspiração e modelo
de civilização. Num sentido amplo, esse ideal pode ser entendido como a
valorização do homem (Humanismo) e da natureza, em oposição ao divino e ao
sobrenatural, conceitos que haviam impregnado a cultura da Idade Média.
Características gerais:
§ Racionalidade;
§ Dignidade do Ser Humano;
§ Rigor Científico;
§ Ideal Humanista;
§ Reutilização das artes greco-romana.
A expansão marítima com a exploração de novos continentes e a pesquisa
científica proclamavam a confiança no homem e, ao mesmo tempo, a Reforma
Protestante diminuía o domínio da Igreja. O resultado foi que o estudo de Deus
como Ser Supremo foi substituído pelo estudo do ser humano, inclusive com o
estudo da anatomia. Desde retratos detalhistas, como a intensidade emocional e
a iluminação surreal, a arte foi o meio de explorar todas as facetas da vida na
terra.
ARQUITETURA
Na renascença italiana formada nos mesmos princípios da geometria
harmoniosa em que se baseavam a pintura e a escultura, a arquitetura recuperou
o esplendor da Roma Antiga.
Os arquitetos renascentistas mais notáveis foram Leon Battista Alberti,
Filippo Brunelleschi, Donato Bramante, Andrea Palladio e Michelangelo
Buonarotti.
Alberti (1404-72) escritor, pintor, escultor e arquiteto, foi o maior
teórico da Renascença e deixou tratados de pintura, escultura e arquitetura.
Ele menosprezava o objetivo religioso da arte e propunha que os artistas
buscassem no estudo das ciências, como a história, a poesia e a matemática, os
fundamentos de seu trabalho. Alberti escreveu o primeiro manual sistematizado
de perspectiva, oferecendo aos escultores as normas das proporções humanas
ideais.
Outro renascentista de múltiplos talentos foi Brunelleschi (1377-1446).
Excelente ourives, escultor, matemático, relojoeiro e arquiteto, ele é mais
conhecido, porém, como o pai da engenharia moderna. Brunelleschi não só
descobriu a perspectiva matemática como lançou o projeto da igreja em plano
central, que veio substituir a basílica medieval. Somente ele foi capaz de
construir o domo da Catedral de Florença, chamada então da oitava maravilha do
mundo. Tal técnica constitui em construir duas células, uma apoiando a outra,
encimadas por uma claraboia estabilizando o conjunto. No projeto da Capela
Pazzi, em Florença, Brunelleschi utilizou motivos clássicos na fachada,
ilustrando a retomada das formas romanas e a ênfase renascentista na simetria e
na regularidade.
Em 1502, Bramante (1444-1514) construiu o Tempietto
(Pequeno Templo) em Roma, no local onde São Pedro foi crucificado. Embora
pequeno, é protótipo perfeito da igreja com plano central encimado por domo,
expressando os ideias renascentistas de ordem, simplicidade e proporções
harmoniosas.
Famoso por suas vilas e seus palácios, Palladio (1508-80)
teve enorme influência sobre os séculos posteriores através do seu tratado
Quatro Livros de Arquitetura. Pioneiros do neoclássico se basearam no manual de
Palladio. A “Villa Rotonda” incorporou detalhes gregos e romanos, como
pórticos, colunas jônicas, domo plano, como o do Panteon, e aposentos dispostos
simetricamente em torno de uma rotonda central.
Destaca-se também, Michelangelo Buonarotti (1475-1564) que em seus últimos anos dedicou-se à arquitetura,
supervisionando a reconstrução da Basílica de São Pedro, em Roma. Acreditava
que “os membros da arquitetura são derivados dos membros humanos”. As unidades
arquitetônicas deveriam cercar simetricamente um eixo central vertical, assim
com braços e pernas flanqueiam o tronco humano. Outro exemplo desse estilo
inovador é a Colina Capitolina em Roma, o primeiro grande centro cívico da
Renascença. Quebrou as normas renascentistas ao desenhar essa praça com ovais
interligados e variações do ângulo reto.Sendo um dos percursores do Maneirismo.
Na arquitetura renascentista, a ocupação do espaço pelo edifício
baseia-se em relações matemáticas estabelecidas de tal forma que o observador
possa compreender a lei que o organiza de qualquer ponto em que se coloque.
“Já não é o edifício que possui o homem, mas este que, aprendendo a lei
simples do espaço, possui o segredo do edifício”. (Bruno Zevi, Saber Ver a
Arquitetura)
As principais características da arquitetura renascentista são:
§ Ordens Arquitetônicas;
§ Arcos de Volta-Perfeita;
§ Simplicidade na construção;
§ A escultura e a pintura se desprendem
da arquitetura e passam a ser autônomas;
§ Construções: palácios, igrejas, vilas
(casa de descanso fora da cidade), fortalezas (funções militares) e
planejamento urbanístico.
ARQUITETURA RENASCENTISTA NA EUROPA, EXCETO A ITÁLIA
O Renascimento caracterizou-se como um movimento praticamente restrito ao
universo cultural italiano durante seus dois primeiros séculos de evolução
(entre os séculos XIV e XVI, aproximadamente), período durante o qual, no
restante da Europa, sobreviviam estilos arquitetônicos, em geral, ligados
ao gótico ou ao tardo-românico.
No seu auge, na Itália, a estética clássica começou a ser difundida em
diversos países europeus devido a motivos diversos (como guerras, anexações de
territórios, pelo fato de os artistas italianos viajarem pela Europa ou serem
contratados por cortes diversas).
Independente das razões, é certo que esta difusão fatalmente se dará já
pela assimilação de certos ideais anticlássicos trazidos pelo Maneirismo,
estilo em voga naquele momento (início do século XVI). É um momento em que a
tratadística clássica está plenamente desenvolvida, de forma que os arquitetos,
de uma forma geral, possuem um bom domínio das regras compositivas clássicas e
de sua canonização, o que lhes permite certa liberdade criativa.
Esta leve liberdade de que gozam os artistas do período será
naturalmente absorvida pela produção renascentista dos países fora do espectro
cultural italiano. Há que se notar, porém, que existem estudiosos que não
consideram o Maneirismo como um movimento ligado ao Renascimento, mas um estilo
novo e radicalmente contrário a este.
Desta forma, a produção dita maneirista dos demais países europeus pode
vir, eventualmente, a não ser considerada como uma arquitetura
genuinamente renascentista. Em certo sentido é possível dizer, segundo tal
ponto de vista, que tais países “pularam” diretamente de uma produção
tipicamente medieval para uma arquitetura pós-renascentista (como
na França).
Como as formas de difusão diferem de país para país, ainda que a
arquitetura produzida por aqueles países neste momento seja efetivamente
renascentista, existe um Renascimento diferente para cada região da Europa
(pelo menos do ponto de vista arquitetônico). Será possível falar em
um Renascimento francês, um Renascimento espanhol e
um Renascimento flamenco, por exemplo.
Em Portugal, as formas clássicas irão se difundir apenas durante um
breve período, sendo logo substituídas pela arquitetura manuelina, uma
espécie de releitura dos estilos medievais e considerada por alguns como o
efetivo representante do Renascimento neste país, ainda que prossiga uma
estética distante do classicismo (insere-se, de fato, no estilo gótico tardio).
PINTURA
Talvez nenhuma época artística tenha sido igualmente rica e tão talentososa
com grandes pintores como o Renascimento.
Piero dela Francesca, Fra Angelico, Botticelli, Mantegna, Leonardo da
Vinci, Michelangelo, Antononello da Messina, isto para citar só alguns. E
depois, Masaccio, Perugino, o supremo Rafael, os Bellini, Giorgione, Ticiano,
Paolo Uccello, Lucas Signorelli, os dois Lippi, Ghirlandaio, Carpaccio, Cosmè
Tura. Qualquer um deles bastaria para nobilizar um período e uma nação. Mas,
todos eles viveram no mesmo país e na mesma época, ou quase.
As principais características da pintura são:
§ Perspectiva: arte de figura, no desenho
ou pintura, as diversas distâncias e proporções que têm entre si os objetos
vistos à distância, segundo os princípios da matemática e da geometria;
§ Uso do claro-escuro: pintar algumas
áreas iluminadas e outras na sombra, esse jogo de contrastes reforça a sugestão
de volume dos corpos;
§ Realismo: o artista do Renascimento não
vê mais o homem como simples observador do mundo que expressa a grandeza de Deus,
mas como a expressão mais grandiosa do próprio Deus. E o mundo é pensado como
uma realidade a ser compreendida cientificamente, e não apenas admirada;
§ Inicia-se o uso da tela e da tinta à
óleo;
§ Tanto a pintura como a escultura que
antes apareciam quase que exclusivamente como detalhes de obras arquitetônicas,
tornam-se manifestações independentes;
§ Surgimento de artistas com um estilo
pessoal, diferente dos demais, já que o período é marcado pelo ideal de
liberdade e, consequentemente, pelo individualismo.
Vamos comentar brevemente os mais conhecidos pintores desse período:
Giotto di Bondone (1267-1337), mais conhecido simplesmente por Giotto,
pintor e arquiteto italiano. Nasceu perto de Florença, foi
discípulo de Cinni di Pepo, mais conhecido na história da arte pela
introdução da perspectiva na pintura, durante o Renascimento. É
considerado um dos precursores do Renascimento. Devido ao alto grau de inovação
de seu trabalho, ele é considerado o introdutor da perspectiva na pintura da
época, Giotto é considerado o elo entre o Renascimento e a pintura medieval e
a bizantina. A característica principal do seu trabalho é a identificação
da figura dos santos como seres humanos de aparência comum. Esses santos com ar
humanizado eram os mais importantes das cenas que pintava, ocupando sempre
posição de destaque na pintura. Assim, a pintura de Giotto vem ao encontro de
uma visão humanista do mundo, que vai cada vez mais se firmando até o
Renascimento.
Leonardo da Vinci (1452-1519) foi o artista que mais perto chegou do ideal “homem da
Renascença”, que significa um indivíduo de talentos múltiplos, que irradiava
saber. Tinha múltiplos talentos, deixou cadernos e mais cadernos com suas
pesquisas e estudos. Possuía grande curiosidade e vontade de voar como os
pássaros. Essa busca constante por entender todo o “mecanismo” que o cercava,
não deixou grande quantidade de obras na pintura, mas é incontestável a sua
genialidade. Dominou com sabedoria o jogo expressivo de luz e sombra, gerador
de uma atmosfera que parte da realidade, estimulando a imaginação do
observador. Foi possuidor de um espírito versátil que o tornou capaz de
pesquisar e realizar trabalhos em diversos campos do conhecimento humano.
Michelangelo Buonarotti (1475-1564)
foi o maior contribuinte para elevar o status da atividade do artista.
Acreditando que a criatividade era uma inspiração divina, quebrou todas as
normas. Os admiradores se referiam a ele como o “Divino Michelangelo”, mas o
preço da glória foi a solidão. Entre 1508 e 1512 trabalhou na pintura do teto
da Capela Sistina, no Vaticano. Para essa capela, concebeu e realizou grande
número de cenas do Antigo Testamento. Dentre tantas que expressam a genialidade
do artista, uma particularmente representativa é a “Criação do Homem” e o
afresco “O Juízo Final”, que foi concluído 29 anos depois da pintura do teto, e
essa pintura impressiona pela atmosfera sinistra.
Rafael Sanzio (1483-1520) foi, dentre as maiores figuras da escola da Alta
Renascença (Leonardo, Michelangelo e Rafael) eleito o mais popular. Enquanto os
outros dois eram reverenciados, Rafael era adorado. Um contemporâneo dos três,
chamado Vasari, que escreveu a primeira história da arte, afirmou que Rafael
era “tão amável e bondoso que até os animais o amavam”. O pai de Rafael, um
pintor menor, ensinou ao precoce filho os rudimentos da pintura. Aos 17 anos de
idade, Rafael era considerado um mestre independente. Aos 26 anos, chamado a
Roma pelo Papa para decorar os aposentos do Vaticano, ele pintou os afrescos,
com ajuda de 50 discípulos, no mesmo ano que Michelangelo terminou o teto da
Capela Sistina. “Tudo que ele sabe, aprendeu comigo” disse Michelangelo.
De Leonardo, ele assimilou a composição piramidal e aprendeu a modelar
rostos em luz e sombra (chiaroscuro). De Michelangelo, Rafael adotou as
figuras dinâmicas, de corpo inteiro e a pose de “contraposto”. Foi o grande
pintor das Madonas. Morreu com 37 anos e toda a corte “mergulhou em luto”
segundo Vasari.
Sandro Botticelli (1445-1510) foi um dos mais importantes artistas do Renascimento
Cultural Italiano. Desde jovem, dedicou-se à pintura mostrando grande talento
para as artes. Em suas obras seguiu temáticas religiosas e mitológicas.
Resgatou, de forma brilhante, vários aspectos culturais e artísticos das
civilizações grega e romana. Chegou também a fazer retratos de pessoas famosas
da época, como príncipes, integrantes da burguesia e nobres.
As pinturas de Botticelli são marcadas por um forte realismo, movimentos
suaves e cores vivas. Para ele, a beleza estava associada ao ideal
cristão. Por isso, as figuras humanas de seus quadros são belas porque
manifestam a graça divina, e, ao mesmo tempo, melancólicas porque supõem que
perderam esse dom de Deus. Uma de suas obras mais conhecidas, até os dias de
hoje é “O Nascimento de Vênus”, que o pintor fez no ano de 1485. Nesta linda
obra, observamos a valorização das forças da natureza, o realismo e o
resgate da mitologia.
Ticiano (c.1473-90-1576), como seus contemporâneos venezianos, dominou o
mundo da arte durante sessenta anos, usava cores fortes como principal meio
expressivo. Primeiro pintava a tela de vermelho, para dar calor ao quadro,
depois pintava o fundo e as figuras em matizes vividos e acentuava as
tonalidades usando trinta a quarenta camadas vidradas. Esse trabalhoso método
possibilitava uma pintura convincente de qualquer textura, do metal polido ao
brilho da seda, de cabelos louro-dourados à pele cálida. Um dos primeiros
artistas a abandonar os painéis de madeira, Ticiano adotou o óleo sobre tela
como suporte característico. Assim como Michelangelo, Ticiano foi um dos
percursores do movimento Maneirismo.
A PINTURA NOS PAÍSES DO NORTE DA EUROPA
A marca registrada dos artistas do norte da Europa era o incrível talento
para retratar a natureza realisticamente, nos mínimos detalhes.
Artistas dos Países Baixos:
Com formação de miniaturista e iluminador de manuscritos, Jan
Van Eyck (1390-1441) pintou detalhes microscópicos em cores vivas. Um
dos primeiros mestres da nova arte de pintar retratos, Van Eyck chegou a pintar
detalhes ínfimos como pontinhos de barba no queixo da figura. Seu “ Homem com
Turbante Vermelho”, que talvez seja um autorretrato, foi a primeira pintura a
mostrar o modelo olhando o espectador. Num dos mais celebres quadros da
Renascença do Norte, “Casamento dos Arnolfini”, Van Eyck captou com exatidão a
aparência e a textura das superfícies e produziu efeitos de luz direta e difusa
ao mesmo tempo.
Hieronymus Bosch (1450-1516) foi eleito pelos surrealistas do século XX o seu santo
padroeiro, o que não é difícil de entender, visto que a sua pintura moralista
sugere criativas formas de tortura aplicadas como punição aos pecadores.
Imagens grotescas – monstros híbridos, meio humanos, meio animais – habitam suas
entranhas nas perturbadoras paisagens. Sua pintura parece mostrar que a
humanidade, seduzida e corrompida pelo mal, deveria sofrer consequências
catastróficas.
O pintor flamengo Pieter Bruegel, “O Velho” (1525-1569)
foi influenciado pelo pessimismo e pela abordagem satírica de Bosch. Ele adotou
o tema de vida campestres, cenas de pessoas humildes no trabalho, em festas e
danças, em que sempre aparece também um aspecto que mostra a pouca nobreza humana.
No quadro ”Casamento no Campo” mostra os convidados comendo e bebendo
gulosamente. Além de elevar a pintura do gênero da vida cotidiana, Bruegel
ilustrou provérbios, como “Um Cego Conduzindo Outro” com expressões faciais
horrendas, bestiais, típicas das cenas bíblicas de Bosch.
Da Alemanha, temos:
Hans Holbein, o Jovem (1497-1543) é conhecido como um dos maiores retratistas de todos
os tempos. Assim como Albrecht Dürer, Holbein misturava os pontos fortes do
Norte e do Sul, unindo a técnica germânica de linhas e precisão realistas à
composição equilibrada, ao chiaroscuro, à forma escultural e à
perspectiva italiana. Embora nascido na Alemanha, Holbein começou a trabalhar
em Basel. Quando a Reforma decretou a decoração “papal” das igrejas, as
encomendas desapareceram e ele mudou-se para a Inglaterra. O impressionante talento
de Holbein valeu-lhe a posição de pintor da corte de Henrique VIII, onde pintou
retratos do rei e de quatro das suas esposas. Ele pintava rostos com a mesma
acurácia de Dürer, mas, em vez da intensidade dos retratos deste pintor adotava
a expressão neutra característica da arte italiana. O estilo Holbein
estabeleceu os padrões para os retratos, que continuaram a ser a mais
importante forma de arte na Inglaterra nos três séculos seguintes.
Albrecht Dürer (1471-1528), primeiro
artista nórdico de espírito renascentista, combinou o talento detalhista do
Norte com as conquistas da Renascença italiana. Chamado de “Leonardo do Norte”
pela diversidade de interesses, Dürer era fascinado pela natureza e se
aprofundou em estudos de botânica. Publicou tratados de perspectivas e
proporções ideais. Além disso, assumiu a posição de artista como cavalheiro e
erudito, elevando o status da profissão, até então comparável a mero artesão, a
uma importância digna de um príncipe.
Foi o primeiro a se deixar cativar pela própria imagem, deixando uma
série de autorretratos (o primeiro, pintado aos 13 anos de idade). Em seu
autorretrato, de 1500, pintou-se numa pose semelhante à de Cristo, indicando a
exaltação do status do artista, para não mencionar a alta conta em que se
tinha. A sua maior reputação como artista Renascentista do Norte, se deve aos
trabalhos gráficos de Dürer. Antes dele, as gravuras eram estudos primitivos em
contraste preto e branco. Como gravador, usava o adensamento das linhas para
expressar diferenças de textura e tons, tão sutis quanto na pintura à óleo.
Dürer foi o primeiro a usar a gravura como forma de arte maior.
ESCULTURA
Ao contrário, por exemplo, da arte grega, o Renascimento já não sentiu a
necessidade de elaborar para a escultura uma série de regras comparáveis às da
arquitetura. O que não quer dizer que faltassem, na escultura renascentista,
formas e tendências características.
Simplesmente, a passagem da arte do período anterior é menos brusca, é
mais uma questão de gosto do que de teoria. Acima de tudo, o reconhecimento de
uma escultura renascentista é feito procurando os motivos de fundo em que ela
se inspira.
Os principais motivos são:
§ Acentuado naturalismo, ou seja, a
procura de verossimilhança;
§ Um forte interesse pelo homem, pela
forma de seu corpo, da sua expressão;
§ Gosto marcado não só pelo conhecimento
e técnica, como pela ostentação de conhecimento;
§ Aspiração pela monumentalidade;
§ Esquemas compositivos, quer dizer
formas globais, geometricamente simples.
A escultura, assim como a pintura, já não fazia parte do projeto
arquitetônico como ornamentação do edifício. Conquistaram autonomia e brilhavam
pela sua própria expressão.
A extrema importância que o Humanismo dava ao homem traduz-se em imagens
em que o próprio homem é representado com a maior “verdade” possível. Tal
conceito surge como continuação do interesse pela natureza. E, tal como na
realidade predominam as linhas curvas e sinuosas.
O maior de todos os escultores renascentista foi Michelangelo Buonarroti
usando esquemas geométricos para suas esculturas: Pietá, na Basílica de São
Pedro; Davi, na Academia de Belas Artes de Florença; Pietá de Rondanini, no
Castelo Sforza em Milão.
Donato di Niccoló di Betto Bardi (1386-1466), conhecido como Donatello,
seus primeiros conhecimentos artísticos vieram do treinamento que recebeu numa
oficina de ourives. Trabalhou também, ainda na juventude, um curto período de
tempo na oficina do artista Lorenzo Ghiberti. Elaborou grandes esculturas e na
cidade de Pádua esculpiu uma estátua equestre, em mármore, de Erasmo da Narni,
conhecido como Gattamelata. Donatello usou como inspiração desta obra a estátua
equestre de Marco Aurélio, em Roma. Uma das suas esculturas mais conhecidas é
“Davi”, feita em bronze e encontra-se no Museu Nacional em Florença.
Andrea di Francesco di Cione (1435-1488), mais conhecido como Andrea del Verrocchio foi
filho de um oleiro, e durante sua infância a família sofreu com a pobreza. Diz
a tradição que foi treinado por um ourives chamado Giuliano Verrocchi, de quem
teria adotado o sobrenome. Em torno de 1460, começou a estudar pintura. Alguns
anos mais tarde, com a morte de Donatello, que era o favorito dos Médici, assumiu
seu lugar como protegido, e para eles produziu pinturas e esculturas, além de
desenhos para decorações, vestimentas e armaduras. Tornado conservador das
coleções de antiguidades da família, restaurou muitos bustos e estátuas
romanas. Então sua fama começou a se espalhar, abriu uma grande oficina que
atraiu muitos discípulos, entre eles Leonardo da Vinci e Perugino. Apesar de
sua fama como pintor e de sua produção, que se supõe ter sido significativa,
hoje, quase nada pode ser atribuído a ele com certeza. Dedicou-se com mais
ênfase à escultura, mas também nesse campo suas obras autenticadas, embora em
maior número, são ainda poucas. Sua primeira grande encomenda foi uma tumba
para Pedro e João de Médici na antiga sacristia de São Lourenço. Sua reputação
como um dos grandes escultores de baixo-relevo do século XV se estabeleceu com
o Cenotáfio do Cardeal Niccolò Forteguerri para a Catedral de Pistoia, sendo
concluído somente após sua morte.
A Capela Sistina foi construída por
ordem do Papa Sisto IV (retângulo de 40mx13m e 20m altura). E é na própria
Capela que se faz o Conclave, reunião com os cardeais após a morte do Papa para
proceder a eleição do próximo. A lareira que produz fumaça negra, indica que o
Papa ainda não foi escolhido, a fumaça branca, que o Papa acaba de ser
escolhido, avisando o povo na Praça de São Pedro, no Vaticano.
Michelangelo dominou a escultura e o desenho do corpo humano
maravilhosamente bem, pois tendo dissecado cadáveres por muito tempo, assim
como Leonardo da Vinci, sabia exatamente a posição de cada músculo, cada
tendão, cada veia.
Além de pintor, Leonardo da Vinci, foi grande inventor. Dentre as suas
invenções estão: “Parafuso Aéreo”, primitiva versão do helicóptero,
a ponte levadiça, o escafandro, um modelo de asa-delta, dentre outras.
Quando deparamos com o quadro da famosa Mona Lisa não conseguimos
desgrudar os olhos do seu olhar, parece que ele nos persegue. Por que acontece
isso? Será que seus olhos podem se mexer? Este quadro foi pintado, pelo famoso
artista e inventor italiano Leonardo da Vinci, e qual será o truque que ele
usou para dar esse efeito? Quando se pinta uma pessoa olhando para a frente
(olhando diretamente para o espectador) tem-se a impressão que o personagem do
quadro fixa seu olhar em todos que o observam. Isso acontece porque os quadros
são lisos. Se olharmos para a Mona Lisa de um ou de outro lado estaremos
vendo-a sempre com os olhos e a ponta do nariz para a frente e não poderemos
ver o lado do seu rosto. Aí está o truque em qualquer ângulo que se olhe a Mona
Lisa a veremos sempre de frente.
Outra característica do quadro Mona Lisa, de Leonardo da Vinci é o uso
da técnica do Sfumato, que é usada para gerar suaves gradientes entre as
tonalidades. A palavra vem do italiano sfumare, que significa “de
tom baixo” ou “evaporar como fumaça”. Nessa pintura é difícil perceber as
pinceladas e as variações de tons na passagem da luz para sombra, amenizando os
contornos dos seres e objetos. Em materiais de fricção como grafite, pastel
seco ou carvão, o sfumato pode ser realizado esfregando-se o dedo no suporte
pictórico, para que os riscos desapareçam e fique apenas o degradê. Outro
recurso é usar o esfuminho, um tipo de lápis com algodão na ponta, que
substitui o dedo a fim de evitar a interferência da oleosidade da pele.
